Con motivo del 111º aniversario del nacimiento de Ramón J. Sender, los fotógrafos Vicente Lachén y Dominique Leyva presentan una ambiciosa proyección que ha hecho partícipe a 111 fotógrafos de todo el mundo

Con motivo del 111º aniversario del nacimiento de Ramón J. Sender, los fotógrafos Vicente Lachén y Dominique Leyva presentan una ambiciosa proyección que ha hecho partícipe a 111 fotógrafos de todo el mundo. Desde Indonesia hasta Estados Unidos, pasando por Rusia y por España. Fotógrafos y músicos del resto del planeta reinterpretan la figura de este escritor altoaragonés que pasó gran parte de su vida en el exilio. La proyección del audiovisual “Fotografías Bisiestas” es este jueves a las 8 de la tarde en el Salón de Actos de la Diputación Provincial de Huesca.

El colectivo Visual Huesca invitó a 111 fotógrafos y músicos de todo el mundo a participar en una iniciativa titulada, Fotografías Bisiestas. Los artistas tenían que interpretar visualmente textos de Ramón J. Sender elegidos de su libro, Memorias Bisiestas, para conmemorar el 111 aniversario del nacimiento del escritor.

La banda sonora de este proyecto tiene canciones de los grupos musicales Moriarty and Kalaña (Huesca), Devillins (Albuquerque, USA), Follow Silence (Albuquerque, USA) y la cantante Leah Leyva (Albuquerque, USA).

Una de sus citas reinterpretadas es: “Existencia quiere decir que algo es. Esencia quiere decir lo que algo es. Los poetas somos más que existimos

Rio Grande Botanical Garden, Albuquerque, New ...

, y por eso se nos mata tal vez fácilmente.” Ramón J. Sender.

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Exposiciones de fotografia en Murcia, ‘Melancolía’ Filmoteca Regional. Murcia. 20.00 y 22.30 horas. Entrada: 2,5 euros.

‘Melancolía’  Filmoteca Regional. Murcia. 20.00 y 22.30 horas. Entrada: 2,5 euros.

El Cuerno de África
UNICEF Murcia ha organizado para hoy una charla sobre la respuesta de UNICEF a las emergencias internacionales y la actual crisis en el Cuerno de África. La conferencia, que tendrá lugar a las 20.00 horas, será impartida por Lorena Cobas, responsable de Emergencias de UNICEF España y cooperante en el terreno.
‘¿Qué pinta el PAS en la UMU?’
Con este provocador título, nueve miembros del Personal de Administración y Servicios de la Universidad de Murcia se disponen a exponer su obra pictórica en el Museo de la Universidad de Murcia.
‘Paraíso en casa’
C/ Turroneros, 6, en San Antolín (Murcia). Último día.
‘Paraíso en casa’ es una exposición fotográfica en la que Patricia López Casajús muestra una pequeña selección de algunas joyas naturales que podemos encontrar sin salir de nuestras fronteras. Éstas concretamente pertenecen a Castilla y León, ofreciendo al visitante una visión de la diversidad que ofrece un territorio plagado de maravillosos paisajes.
‘Show window’
Galería La Aurora. Murcia. Hasta el 29 de febrero.
Mitsuo Miura se ha ocupado, desde hace tiempo, de reflejar en su obra algo tan al alcance de la mano como los escaparates que rondan la vida humana. Como una necesidad ineludible aparecen en este ‘Show window’, que Mitsuo Miura ha querido y sabido transformar con la visión más optimista, coloreada y luminosa. El artista japonés expone obras en las que refleja el deslumbramiento y la atracción que ejerce sobre los ciudadanos una sociedad marcada por el capitalismo.
‘La mirada del discípulo’
Museo Salzillo. Murcia. Último día.
Con motivo del segundo centenario de la muerte del escultor Roque López se presenta en el Museo Salzillo una exposición con su obra. Roque López es considerado por muchos el mejor discípulo de Salzillo. La muestra recoge algunas de sus obras más representativas como la imagen de Santa Cecilia del Convento de las Agustinas.
‘Añoranzas’
Antonio Fenor Rubio cuenta con varios premios, como el primer premio de la CAM de Beniaján y otro premio de pintura al aire libre en Cehegín. Ha hecho varias exposiciones individuales. El Arte resulta de unir la imaginación, la técnica y la experiencia. Detrás de la pintura moderna de paisaje y marina, está siempre el impresionismo. La pintura mal llamada realista, esa que de alguna manera da cuenta de lo real, estará siempre justificada.
Centro Cultural Las Claras de Cajamurcia. Murcia. De lunes a sábado; de 11 a 14 horas y 18 a 21 horas. Domingos y festivos; de 11 a 14 horas. Hasta el 5 de febrero.
La muestra del Centro Cultural Las Claras Cajamurcia reúne obras del escultor murciano, de sus amigos artistas y de creadores de su época. Uno de los empeños de la Fundación Cajamurcia es recuperar, difundir y poner en valor la obra de los grandes creadores murcianos, entre los que se encuentra Antonio Campillo.
‘Comprometidos con Anantapur’
La Fundación Vicente Ferrer pone en marcha la exposición fotográfica ‘Comprometidos con Anantapur’. La exposición hace un recorrido por el programa de desarrollo que la Fundación lleva a cabo en el distrito indio de Anantapur para erradicar la pobreza de esta zona del país, una de las más pobres. A través de la mirada artística de las fotografías, el visitante puede conocer las diferentes actuaciones de la Fundación.
‘Obra nueva 2012’
Archivo General de la Región de Murcia. Murcia. Hasta el 9 de marzo.
Arturo Pérez presenta en el Archivo General de la Región de Murcia su ‘Obra Nueva 2012’. La muestra la componen 45 aguafuertes que el autor ha ido elaborando a lo largo de los últimos años y en los que ha plasmado su visión más íntima y personal de mitos, hechos y personajes relacionados con el mundo del libro que han influido en su universo creativo.
‘Venezia’
Sala de exposiciones El Jardín de Molina de Segura. Hasta el 24 de febrero.
Cristóbal Pérez García presenta en Molina de Segura su muestra ‘Venezia’. El artista, nacido en 1976 en la ciudad de Álora (Málaga), es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada en las especialidades de Pintura y Escultura y desde el año 1999 ha mostrado su obra en más de veinte exposiciones individuales y colectivas, cosechando gran cantidad de premios y menciones.
‘Memorias de un espejo’
Galería Bambara. Cartagena. De martes a jueves, de 18 a 20.30 horas. Viernes y sábados, de 11 a 13.30 horas. Hasta el 3 de marzo.
María José Contador presenta en la Galería Bambara su exposición ‘Memorias de un espejo’. Una muestra en la que conjuga poesía y pintura para crear una visión poética del mundo a través del reflejo. Su obra está integrada por fotografías en las que ha intervenido con pintura para retocar su imagen
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Pero para Eunice Adorno la cámara es una forma de pararse en el mundo y con esa potestad emprendió un trabajo que surgió de su curiosidad, reportaje con el cual en el año 2010 recibió el Premio Nacional de Cultura

Es todavía una mujer joven y algo tímida. Pero para Eunice Adorno la cámara es una forma de pararse en el mundo y con esa potestad emprendió un trabajo que surgió de su curiosidad, reportaje con el cual en el año 2010 recibió el Premio Nacional de Cultura Fernando Benítez y que llevó por título Fraum Blaum (mujeres flores, en alemán), y ahora la editorial Fábrica lo publica como libro con el nombre Las mujeres flores, donde integra fotografías de la vida cotidiana de un grupo de mujeres menonitas de dos comunidades: Nuevo Ideal (Durango) y La Onda (Zacatecas).

“Hay momentos, encuentros, personas, lugares, que a primera vista podrían ser insignificantes, cualquiera, pero creo que como fotógrafos tenemos que ponerles mucha atención,

Back to work Project 365 Day 351

porque en el fondo son muy importantes. Así empieza todo: primero la curiosidad y la intuición y luego la postura, sobre todo, ante determinadas situaciones, y a partir de ello comienzas a retratar otra realidad aparte de la que se ve en los periódicos”, comenta en entrevista la joven fotógrafa que el año pasado fue seleccionada como estudiante del Joop Swart Masterclass de Wolrld Press Photo.

El libro consta de unas 100 páginas, está impreso en papel Gold East matt 115 g y Hongta Artboard 300g, que le dan a las fotografías una calidad importante, el conjunto tiene una presentación impecable y fina. Pero eso es la forma. Para Eunice, en el fondo está lo más importante:

“Estar con ellas es algo muy fuerte emocionalmente porque hay muchas cosas en juego: que te den la confianza es una gran responsabilidad, y tú te empiezas a cuestionar sobre lo que estás haciendoEstos encuentros fueron para mí algo personal, ser quien yo era. Compartirles tu forma de pensar o de vestir, es un choque bien fuerte pero es increíble lograrlo. En el fondo me di cuenta de que los sentimientos pueden más, las enfermedades, el amor: hay tantas cosas que nos hacen iguales por encima de las que nos hacen distintas”, opina la artista.

En la primera página del texto, Eunice habla: “En estas aisladas comunidades de parajes casi desérticos transcurren las reservadas vidas de las mujeres menonitas, tal y como lo han hecho desde la época de Álvaro Obregón, quien le concedió a este pueblo algunas tierras en los estados de Chihuahua, Durango, y Zacatecas, donde habitan hasta el día de hoy. En el transcurso de nuestros encuentros, mi fascinación por ellas fue en aumento. Por instantes, me encontraba tratando de entender su forma femenina de vivir: los elegantes vestidos, las zapatillas negras y las medias que atraviesan inhóspitos parajes y caminos polvosos para llegar a sus escondidas moradas. Con el tiempo las comprendí mejor, entendí el valor de sus casas y las flores. Las casas, y en especial las cocinas, constituyen un secreto en el horizonte, donde las menonitas se resguardan, por horas y horas, entre objetos personales llenos de significado.

Apartadas del trabajo y de sus maridos, las mujeres forjan su propio universo con charlas, recuerdos, secretos, amistades, placeres y diversiones, y lo esconden bajo sus vestidos cautelosos y su reservada mirada al exterior. Por su parte, las flores son el denominador común de estas mujeres; las flores aparecen en sus vestidos, en sus objetos, en sus nombres y en sus jardines, y dan, por tanto, nombre a esta serie: Fraum Blaum significa “mujeres flores” en alemán bajo, su lengua materna”.

Eunice comenta en el mismo texto que si bien tuvo dificultades para comunicarse con ellas: “nuestro verdadero punto de encuentro son los sentimientos humanos, que compartimos como mujeres, enmarcados, ahora, por la fotografía”.

Con este proyecto quise también encontrar una suavidad que incluso hay en el ambiente pese a que es muy seco. Tenía para mi visualmente algo muy contemplativo. Para nosotros, que vivimos en las ciudades, encontrar estas comunidades en lugares recónditos donde conservan sus tradiciones, sus costumbres, su arquitectura, los objetos, es impresionante. Desde que comencé este proyecto, quise mostrar con las fotografías la vida de ellas y sabía que ellas se iban a quedar como instantes permanentes para nosotros”, dice.

El proceso se remonta a dos años de trabajo para poder acceder a un grado alto de intimidad con las mujeres. Cuenta la autora que todo empezó por casualidad, cuando en 2006 fue a una comunidad de menonitas con el objetivo de realizar un foto reportaje para una revista. Se asombró muchísimo y decidió emprender el viaje.

Ella acaba de regresar de una residencia en Nueva York. Y ahora está a punto de comenzar un proyecto en las zonas del norte: Nuevo León, Tamaulipas, etc., para retratar la vida cotidiana en aquellos estados que actualmente padecen de mucha violencia

Español: Vertedor de la presa Álvaro Obregón.

, A ella le interesa identificar cuáles son las relaciones entre las personas, cómo viven, qué otras historias hay allí.

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La quiebra de la empresa Kodak, por más de un siglo sinónimo de fotografía análoga, no acaba con esta forma de fotografiar

La quiebra de la empresa Kodak, por más de un siglo sinónimo de fotografía análoga, no acaba con esta forma de fotografiar. Lo que sí ha ocurrido es que el auge de lo digital ha transformado rutinas, actitud, concepto y hasta la manera de ver de los fotógrafos hoy en día.

Ha cambiado desde el cuarto oscuro, que para las nuevas generaciones es un perfecto misterio, o que algunos han remplazado por el photoshop, hasta el número de fotos que se hacían de un evento -por ejemplo, para un viaje de vacaciones se usaban dos rollos de 36 fotos, en promedio, mientras que hoy se puede regresar con alrededor de 400 fotos que, sin duda se almacenan en una USB que no ocupa ni un cuarto del tamaño de un rollo fotográfico de 35 mm.

El fotógrafo Rubén Pax opina:

“El proceso es completamente distinto: hay sentidos que con la fotografía digital ya no utilizas: el tacto, el olfato, y eso era primordial en la análoga. Tenías que aprender a esperar, la noción del tiempo ha cambiado, realmente no aprecias la imagen, no la contemplas, no la imaginas, capturas… no sé, algunos toman 50 fotos cuando yo tomo una”.

Arturo “Chato” Fuentes es uno de los fotógrafos que trabaja exclusivamente con cámaras análogas -algunas panorámicas de comienzos de siglo XX-; el proceso de revelado del rollo, copia y ampliación lo lleva a cabo en su propio departamento habilitado casi en su totalidad como laboratorio fotográfico. Incluso, aunque la química era la materia que menos le interesaba en la escuela, hoy muchos de los químicos los produce así como algunas de las películas.

Fuentes considera que hay una manera de ver que la fotografía análoga tiene a diferencia de la digital: “Con la fotografía análoga eres más selectivo, tiras menos; educa uno el ojo, va viendo qué es lo que quiere, o inventando o encontrando una foto espontánea que disfruta más. La escasez de material te hace ser más selectivo, una o cuatro fotos cuando mucho, porque si no todo se repite”.

Ernesto Ramírez, fotorreportero y creador de series artísticas, comenta: “Antes meditabas más la foto, editabas previamente, ahora tomas y después editas. La análoga te obliga a leer la luz, a enfocar más, te hace un fotógrafo más completo”.

Del grano a los pixeles

¿Cuánto de fotografía análoga se hace hoy y cuánto digital? Imposible (e inútil) determinarlo. Los propios artistas de la fotografía reconocen que conviven ambas expresiones: hay quienes de plano mudaron a la foto digital; existen los que sólo trabajan con análoga, son los casos de Graciela Iturbide, Rodrigo Moya y Arturo Fuentes, entre otros.

Más allá de su trabajo en diarios, Ramírez utiliza cámaras análogas, posteriormente digitaliza los negativos y continúa el proceso bajo las características digitales.

En Xalapa, en el Izote: Taller de Gráfica y Heliograbado, A.C., Byron Brauchli, fotógrafo, explora y enseña las posibilidades de estas técnicas. El taller crea carpetas en tirajes pequeños, de muy alta calidad (http://www.edicionesizote.com/).

En el DF, Rubén Pax hace foto con cámaras con película de 35 mm, de 120, y placas de 4×5 y 5×7 pulgadas; practica -y enseña- la fotografía estenopeica (una cámara fabricada por el propio usuario) y aunque eventualmente usa digitales, se rige por las normas de las análogas. Nunca mira las fotos que toma conservando ese “misterio” que había antes al hacer fotos y verlas sólo cuando se revelaban. Tampoco le quita o le pone algo a las imágenes; es un crítico de la manipulación exacerbada de la foto.

“La fotografía análoga es un acto de fe, fe en lo que estás haciendo. La gente viajaba y se tomaba la foto frente a la Torre Eiffel o las pirámides de Egipto o las de Chichen Itzá, regresaba y tenía la imagen, esa foto era un acto de fe. Ahora no: puedes casarte en el Palacio de Versalles digitalmente, eso ya perdió ese sentido”, afirma Pax, quien este mes dará varios talleres sobre foto análoga (prismafotopax@gmail, teléfono: 5741 7162).

Lo que ha ocurrido también es que muchos fotógrafos y aficionados han buscado aprender de viejas técnicas, de ahí el trabajo de varios artistas con la Polaroid (cuyo deceso se anunció en 2008), los experimentos con colodión, en carbón y gelatina, con papeles salados, daguerrotipos o las adaptaciones con lente Leika.

Existe también una constante oferta de talleres con cámara estenopeica o con cámara Holga, también llamada cámara de pobre.

“Son cámaras de plástico, su filosofía es disparar casi sin pensar, es como el lema de esa corriente -dice Ramírez-. Son cámaras de plástico con dos aditamentos donde varías la luz y el tiempo de operación es fijo; se trata de sacarle beneficio a lo que serían errores de la cámara porque en las películas se veía una entrada de luz por un defecto de la cámara, entonces la estética es de cierto dejo de antigüedad, oscurece las esquinas y el foco se centra”.

Lo paradójico es que lo digital también ha “copiado” ese error de la Holga; existe una aplicación para el iPod que permite crear ese mismo tono.

Arturo Fuentes es tajante al afirmar que la quiebra de la Kodak no significará en ningún momento el fin de la análoga. “Ahí no se acaba, evidentemente Kodak está pagando las consecuencias en términos de la modernidad, el capitalismo aplastante. Hay muchísima película, más que Kodak, Ilford o Agfa, y vas descubriendo cuál es la de mejor calidad, la de grano más fino, la que te permite más posibilidades en la oscuridad”.

Fuentes, quien se inició como fotoperiodista tras estudiar Sociología, ha encontrado mucha gente en Aguascalientes, Yucatán, Puebla y Veracruz que sigue explorando las posibilidades tradicionales. También, en EU y en Europa; sin embargo, en América Latina hay lugares donde ya no hay película.

Con relación al resto del país, el caso del DF es diferente, señala Fuentes. “Es un mercado muy difícil. Es una corriente tan fuerte que centraliza todo, y a veces para donde voltees… eres un registrador tan inmediato, o haces moda, o haces publicidad, o de cine o de periódicos.. y estás centrado en un rollo de discurso digital muy fuerte… hay muy pocos en la ciudad de México que están haciendo análoga, es menor, pues evidentemente ha crecido mucho lo digital”.

Para llevar a cabo su trabajo, Fuentes desarrolla en el laboratorio algunos productos, pero también los compra en EU por correo, y aunque esto representa el pago de impuestos, resulta más económico. Por ejemplo: “Antes, en el DF un rollo costaba $20, hoy cuesta $120 o $130; en el otro lado está a cinco dólares, $60 o $70, y de mejor calidad. Aquí se ha incrementado el precio, fuera de México no tanto. Sale caro (pedirlo fuera), pero el placer a veces hay que pagarlo”.

Sin duda, una de las ventajas del sistema digital es que resulta más económico, también es ventajoso para muchos fotógrafos, sobre todo de periódicos, que el peso de estas nuevas cámaras es más ligero.

Pero aún así, creadores como Arturo Fuentes están convencidos de que ambas manifestaciones pueden convivir. “Vengo de la escuela del blanco y negro y creo que no se va a acabar. Evidentemente, la película que uno ocupa, de 8×10

English:

, en México está casi saliendo de la circulación, pero me encanta seguir trabajando con esa magia qué ver, en la que hacer una impresión en blanco y negro es un goce. Lo otro lo siento tan plano, sin necesidad de ver lo que tienes atrás de una imagen. Puedes hacer una comparación de un negativo a una buena impresión y creo que sigue siendo mejor el negativo, y lo sigue conservando la historia, y no tiende a perderse”.

Para Brauchli lo digital “ha abierto un camino más, nada más es otra herramienta para llegar a las tomas”.

“Lo comparo con el libro -dice Fuentes-, creo que no se va a perder, mucha gente sigue haciendo libros artesanales. La foto análoga sí se vende bien, pero tienes que andar buscando, saber dónde, hacer un mercado entre galerías o coleccionistas. Las generaciones venideras será difícil que lo quieran recuperar… o quién sabe, si a uno le ha dado para ir a la historia atrás, ¿por qué los que vienen no? ojalá esto dé para más”.

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Unos 35 fotógrafos de Magnum aconsejan a futuros fotógrafos a través del blog de la propia agencia.

Unos 35 fotógrafos de Magnum aconsejan a futuros fotógrafos a través del blog de la propia agencia.

Por ejemplo, Abbas, a la pregunta “¿Qué consejo daría a los jóvenes fotógrafos?“, responde: Obtener un buen par de zapatos… y enamorarse.

Alec Soth comentaba:

Probar de todo. Fotoperiodismo, moda, retratos, desnudos, lo que sea. No se sabe qué tipo de fotógrafo se es hasta que lo pruebas. Durante las vacaciones de verano (en la universidad) trabajé para un fotógrafo de mesa. Durante todo el día fotografiábamos calcetines y escuchábamos la radio cristiana. Ese verano aprendí que no era un fotógrafo de estudio, ni un cristiano. Un año trabajé para una cadena de periódicos suburbanos pequeños y me sorprendí al saber que me gustaba la fotografía por encargo. La diversión es importante. Debería gustarte el proceso y el sujeto. Si estás aburrido o insatisfecho con su objeto se mostrará en las fotos. Si en el fondo de su corazón desea tomar fotos de gatitos, tome fotos de gatitos.

Bruce Gilden:

Mi consejo: ¡Fotografía quién eres!

Carl De Keyzer:

Dale todo lo que tienes por lo menos 5 años y luego decide si usted tienes lo que necesitas. Demasiados grandes talentos renuncian al principio, el gran agujero negro se avecina después de años de la cómoda academia o la universidad, y es el asesino número uno de los futuros talentos.

David Hurn:

No te conviertas en un fotógrafo a menos que sea lo que quieres hacer. No puede ser la opción más fácil. Si te conviertes en fotógrafo, vas caminar muchísimo, así que compra unos buenos zapatos.

Elliott Erwitt:

Aprender el oficio (que no es muy difícil). Estudiar cuidadosamente el trabajo de otros fotógrafos y pintores clásicos. Mira y aprende de las películas. Ver dónde puedes encajar como un fotógrafo “comercial”. Comercial: es decir, trabajar para otros y entregar un producto demandado. Pero sobre todo mantener su fotografía personal como su afición por separado. Si eres muy bueno y diligente, dará sus frutos.

Cada opinión es diferente, desde luego porque son fotógrafos distintos, pero muchos coinciden en estudiar, observar y aprender de otras fotografías, el cine, en que hay que tener paciencia y tomar muchas fotografías hasta ver dónde uno encaja. Y sobre todo, lanzarse sin miedo porque todo llega, y más con buenas ideas, perseverancia y siendo nosotros mismos.

Ellos ven que el panorama actual no se parece a cuando empezaron, pero aún así, consideran que si uno trabaja lo suficiente

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, la recompensa llega. Es bastante interesante tener los consejos a mano para cuando uno se desanime, ver que todo es posible. Los fotógrafos de Magnum lo dicen, por algo será

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La cinta The artist se convirtió la noche del jueves en la ganadora de la 17 entrega de los premios Critic’s Choice al conquistar los premios estelares de Mejor Filme y Mejor Director.

La cinta The artist se convirtió la noche del jueves en la ganadora de la 17 entrega de los premios Critic’s Choice al conquistar los premios estelares de Mejor Filme y Mejor Director.

El director de The artist, Michel Hazanavicius, al agradecer el reconocimiento dijo: “No me gusta mucho hablar. Hay mucha gente muy bella aquí y hasta me contengo para no  pedir autógrafos”.

Por su parte, el fotógrafo mexicano Emmanuel El Chivo Lubezki, compartió el premio de Mejor Fotografía con el polaco Janusz Kaminski, por el El árbol de la vida y Caballo de guerra, respectivamente.

Lubezki, suma éste a otros reconocimientos  recibidos de asociaciones de especialistas cinematográficos de Austin, Boston, Los Ángeles y Chicago, por mencionar algunos.

El Chivo ha conseguido cuatro nominaciones al Oscar por cintas como La Princesita (1996), La Leyenda del Jinete sin Cabeza (1999), El Nuevo Mundo (2005) e Hijos del Hombre (2006).

Gracias a su trabajo con Brad Pitt y Sean Penn, el mexicano tiene grandes posibilidades de ser ganador al Oscar el próximo 26 de febrero en el Teatro Kodak.

Además, la noche del jueves también fue benéfica para George Clooney, que logró el premio como mejor actor por The descendents y Viola Davis el de mejor actriz por The help.

La ceremonia tuvo lugar en el teatro Palladium de Hollywood con asistencia de la mayoría de los ganadores.

En el apartado de actuación secundaria vencieron Christopher Plummer por Beginners y Octavia Spencer por Criadas y señoras / Historias cruzadas.

La producción española Midnight in Paris / Medianoche en París logró el premio a mejor guión original para Woody Allen. Sin embargo, Almodóvar y su La piel que habito se quedó sin el galardón a mejor film extranjero al que optaba, en favor de Nader y Simin: Una separación, del iraní Asghar Farhadi.

Otras preseas fueron a parar a La boda de mi mejor amiga / Damas en guerra como Mejor Comedia, Drive, Mejor Película de Acción, Rango Mejor Película Animada y Moneyball-Rompiendo las reglas / El juego de la fortuna, Mejor Guión Adaptado.

El cineasta francés Michel Hazanavicius bromeo al recoger su estatuilla a mejor película diciendo: “Hice una película muda porque no me gusta hablar mucho”, y más tarde explicó a los periodistas que el veía su exitoso film como “una carta de amor a Los Angeles y al cine de Hollywood. Venir aquí a rodarla fue un sueño hecho realidad”.

Los ganadores fueron seleccionados por el voto de más de 250 miembros de radio, televisión e internet de la Asociación de Críticos de Películas (BFCA).

A partir de la siguiente semana, Hollywood brillará gracias a sus estrellas con la entrega, el próximo 15 de enero, de los Globos de Oro, que son el termómetro más certero para medir las tendencias previas a las nominaciones del Oscar.

Sinopsis El árbol de la vida

En la cinta actúan Brad Pitt, Sean Penn y Fiona Shaw. La película sigue el viaje de la vida del hijo mayor de una familia de clase media de los años 50, Jack, desde la inocencia de su infancia hasta la desilusión de sus años como adulto mientras trata de reconciliar la complicada relación que tiene con su padre (Brad Pitt). Jack (interpretado por Sean Penn en su edad adulta) se ve como un alma perdida en un mundo moderno, buscando respuestas a los orígenes y al sentido de la vida mientras cuestiona la existencia de la fe

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Casa Europea de la Fotografía en París (Maison européenne de la photographie).

Göppert Götz es un fotógrafo alemán que trabaja para diferentes clientes en Alemania y Francia. También dedica gran parte de su tiempo a proyectos personales de fotografía. A partir de enero, podrá descubrir su trabajo en la Casa Europea de la Fotografía en París (Maison européenne de la photographie).

Viajero compulsivo, surca el mundo de la misma manera que recorre el universo de los suyos: con el único propósito de dejarse atrapar por lo hermoso e inusual, extrayendo de cada una de sus escapadas “una documentación de aquello que me rodea.”

Un gabinete de curiosidades cotidianas que le interpelan por su estética en bruto

Rétrospective Robert Delpire à la Maison Europ...

y que él captura en formato panorámico, su “ventana con vistas” y único formato capaz de restaurar de manera casi idéntica lo que percibe el ojo humano. El suyo tiene como principio no dar la espalda a nada y conferir a cualquier cosa la poesía del tiempo suspendido.

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“El mercado sigue sin necesidad de Kodak”. El que nos cuenta esto no es un ejecutivo de una empresa que compite con la de Rochester. Son las palabras del fotógrafo estadounidense Mark Ostrowski,

 

English: Photographer Robert Capa during the S...

“El mercado sigue sin necesidad de Kodak”. El que nos cuenta esto no es un ejecutivo de una empresa que compite con la de Rochester. Son las palabras del fotógrafo estadounidense Mark Ostrowski, una de las personas que mejor conoce en España la situación que atraviesa la fotografía analógica. Afincado desde hace 20 años en Gijón, regenta desde allí su tienda foto-r3.com. Un pequeño negocio que se cuenta entre los pocos a nivel mundial dedicados a vender sólo material fotoquímico.

Desde que comenzó esa aventura hace 10 años, justo al arrancar la crisis de las grandes empresas de película, su firme apuesta por la fotografía artesanal le ha permitido consolidar su tienda en un mercado que, a pesar de ser minoritario, sigue vivo y puede tener más futuro del que sospechamos.

En Fuji, la segunda empresa en venta de película fotográfica a nivel mundial, nos dan algunos datos pesimistas sobre la salud de su división analógica. En España se venden un total de 500.000 carretes al año. Una  cifra que sabe a poco, pues en los buenos tiempos entre todas las empresas se facturaban 40 millones. El porcentaje cae entre un 40 y un 50 por ciento cada año.

Pero también nos proporcionan dos datos más positivos. El primero es que la venta de sus cámaras instantáneas analógicas se ha incrementado notablemente. Otro indicio que confirma el resurgimiento de la foto instantánea es que en Barcelona se acaba de abrir una tienda de Impossible Project. La empresa que ha logrado volver a fabricar y vender carretes instantáneos para cámaras Polaroid.

El papel sigue vendiendo

Otra cifra relativamente positiva son las ventas de papel fotoquímico (con el se obtiene en los laboratorios copias a partir de fotos analógicas o digitales). Pues sólo han descendido entre un 5 y un 10 por ciento. Lo que parece probar que existe un interés por ese producto, principalmente por parte de los profesionales. La razón es que ofrece más calidad y durabilidad que los papeles para impresoras de inyección de tinta.

Al menos eso piensa Ostrowski, que cuestiona las pruebas de resistencia al paso del tiempo que dan las empresas de impresión digital. “Son estudios de laboratorio muchas veces encargados por las propias multinacionales”, apunta. Lo que está plenamente demostrado es que una foto fijada sobre un soporte de gelatina de plata puede durar un siglo y medio.

La fotografía tradicional también es mucho más fiable como documento histórico. Basta con analizar el negativo original bajo un microscopio para detectar sus posibles alteraciones, mientras que la integridad de un archivo de imagen digital nunca puede estar verificada al cien por cien.

Eso puede importar poco a los que sólo quieren mostrar fotos de sus vacaciones en Facebook. Pero en cierto modo se trata de algo crucial. Este fotógrafo documental nos cuenta que si los museos y archivos siguen usando como documentos sólo imágenes digitales podemos encontrarnos dentro de algunas décadas “con un paréntesis en nuestra memoria histórica”. La resistencia al tiempo de las películas que contenía la maleta perdida de Robert Capa parece darle la razón.

Quizá por eso vende sus propias fotos positivándolas con los mejores materiales químicos. Como puede verse en esta web. Pero estudios científicos al margen la apuesta comercial de Ostrowski ha tenido cierto éxito por “un compromiso que va más allá de los números”. Puede parecer una afirmación romántica, y probablemente lo es, pero no hay que olvidar que el negocio de la fotografía alimenta muchos sueños. Y para algunos esos sueños no pueden ser plasmados con la tecnología digital.

Aunque los fotógrafos españoles que visitan la web de foto-r3.com lo hacen por algo más que motivos sentimentales. Al igual que otras tiendas especializadas de fuera de España su oferta de productos analógicos es sorprendentemente variada. Y eso que las estrellas de su catálogo no son Kodak ni Fuji.

La mayoría del material que vende proviene de pequeñas firmas. Como es el caso de la checa Foma, la británica Kentmere, o la alemana Rollei. Ostrowski se deshace en elogios ante unas empresas que para él son el futuro de la fotografía analógica y cuya salud económica califica de “excelente”. De hecho, resalta que “fabrican muchas veces a plena capacidad”. Algo que achaca a que son capaces de trabajar con “modelos de producción artesanal”.

La osadía de este apasionado por la fotografía química parece no tener límites. Pues nos cuenta que pronto ofrecerá un servicio para convertir en negativos físicos de alta calidad imágenes digitales. Estos podrán ser positivados sobre papel químico en un cuarto oscuro. El proceso contrario a la digitalización de fotos de carrete.

Raíces analógicas en tecnología digital

A la vez que Kodak quiebra, Fuji, su eterna rival, ha logrado que su nueva cámara, la X-Pro1, fuese uno de los lanzamientos más importantes en la última edición del CES, la feria tecnológica que todos los años se desarrolla en Las Vegas.

El reciente golpe de efecto de Fuji se debe a que en el corazón de su nueva máquina laten los frutos de sus investigaciones en la fabricación de película. Lo que hace especial a la X-Pro1 no es sólo su aspecto retro y la consistencia de su cuerpo, un detalle que comparte con las recientes Fuji X100 y X10. La clave está en sus entrañas. Su sensor de imagen, denominado X-Trans CMOS, innova en que capta la luz de forma similar a como lo hace un carrete.

Según la empresa japonesa eso se traduce en una calidad de imagen comparable a las de las cámaras réflex más profesionales. Aunque no hemos tenido ocasión de comprobarlo, la cosa quizá va en serio. Al menos eso parecen indicar las fotos oficiales hechas con la X-Pro1 que se han difundido. Si esas optimistas predicciones se cumplen incluso su precio, seguramente prohibitivo para un aficionado, sería atractivo para algunos.

Se especula que cuando salga a la venta costará menos que algunas de las máquinas con las que compite en calidad de imagen. De hecho, la demanda del único modelo profesional de la serie X que ya está a la venta, la X100, ha sido tal que, tras su lanzamiento, Fuji apenas daba abasto para fabricar suficientes unidades. Con la X-Pro1 es previsible que suceda lo mismo. Quizá por ello hace pocos días The Economist  ponía a la empresa japonesa como ejemplo frente a Kodak de firma que ha logrado adaptarse a la venta de tecnologías digitales.

¿Por qué Kodak no ha logrado lanzar un producto que despierte un entusiasmo similar en los últimos 10 años? No es ningún secreto que el mítico logo rojo sobre fondo amarillo de sus anodinas cámaras digitales apenas hace mella en el comprador. Probablemente la causa hay que buscarla en que la empresa no ha aprovechado su extraordinario legado.

Ni siquiera se han molestado en hacer, como Fuji, que sus máquinas digitales simulen el color de sus películas analógicas. Un factor estético del que paradójicamente ha terminado sacando tajada Apple, que obtiene beneficios por las ventas de aplicaciones de fotografía retro para iPhone, como Instagram. Un fenómeno a nivel mundial que incluso está provocando furor en la industria de la moda.

Quizá la atracción que nos producen las imágenes melancólicas de Instagram sea el síntoma más palpable de nuestra ceguera al dejar de fijar recuerdos en plata quemada. Pero como apunta Mark Ostrowski “existen pocas personas ya que indagan sobre las implicaciones que supone el cambio de un paradigma a otro”

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Throwable Panoramic Ball Camera, el juego de las panorámicas

Throwable Panoramic Ball Camera, el juego de las panorámicas

Un estudiante de la Universidad Técnica de Berlín, Jonas Pfeil, ha creado la cámara más rápida y divertida capaz de realizar fotografías panorámicas. Hasta ahora era necesario acudir a programas de edición y hacer una buena planificación de la toma para conseguir este tipo de imágenes. Sin embargo, esta cámara con forma de esfera parece que puede convertirse en una solución, cuanto menos, divertida.

La citada esfera cuenta con 36 lentes de dos megapíxeles cada una, que realizan fotografías cuando se tira al aire la cámara y esta alcanza su punto más alto, gracias al acelerómetro incorporado. También incluye un visor para ver, ampliar o borrar las imágenes que se van obteniendo. Su tamaño es poco menor que el de un balón de baloncesto, y se presenta con un color verde proviniente de la gomaespuma que protege el entramado de cámaras, cables y demás dispositivos.

Por el momento destacan algunos inconvenientes que seguramente terminarán subsanándose antes de su comercialización. Por un lado el tamaño total del artilugio que resulta demasiado grande para el gran público, y por otro, la independencia tecnológica de cada una de las cámaras, que producen diferentes resultados de luz y color en la imagen final.

En busca de inversores que ayuden a solucionar las citadas imperfecciones, el proyecto se presentará durante el mes de diciembre en SIGGRAPH Asia. Se estima que su precio de mercado ronde los 72 euros. La ‘Throwable Panoramic Ball Camera’ sólo toma fotografías panorámicas.

http://jonaspfeil.de/ballcamera

Lytro, el enfoque deseado

¿Se imaginan poder elegir el enfoque de una fotografía después de disparar? Pues ya es posible, y en unos meses puedes tenerla en tus manos. Las cámaras de hoy ya no ‘luchan’ por ofrecer más megapíxeles, no porque no se pueda, sino porque el usuario de cámaras compactas ya tiene los necesarios y algunos más de regalo. Ahora la evolución se centra en las prestaciones o añadidos, y en eso, parece que el enfoque ‘a dedo’ de Lytro va un paso más allá.

Ya hablábamos de ella en parasaber.com hace algunos meses, pero ahora es más que una realidad. Lytro contará con memoria interna de 8GB o 16GB, capaz de almacenar hasta 350 o 750 imágenes respectivamente. Su display, que ocupará prácticamente toda la parte trasera de la cámara será táctil y de 1,46 pulgadas. La cámara tendrá un diseño rectangular, muy diferente a lo que estamos acostumbrados a ver.

Las imágenes no se obtendrán en JPEG o RAW, sino en un nuevo concepto llamado LFP (Light Field Picture). De momento su software de edición sólo se podrá utilizar en sistemas operativos Mac OS, con la posibilidad de subir los archivos a una ‘nube‘ propia de Lytro.

Las cámaras podrán comprarse a partir de 290 euros la de 8GB y 360 euros la de 16GB.

http://www.lytro.com/

– Eclipse Explorer, la cámara de fotos para Indiana Jones

Cargar con pesadas cámaras cuando nos vamos de viaje resulta de lo más incómodo, sobre todo si nos gusta el deporte de aventura. Pensando en ello, Agfa ha fabricado la cámara que mejor se adapta a condiciones adversas.

Se caracteriza por su fuerte carcasa, capaz de resistir golpes por los que nuestras cámaras convencionales acabarían en un taller de reparación. También porque permite su inmersión en el agua hasta 5 metros de profunidad, algo bastante útil también para cuando nos vamos a la playa en verano, ya que además es resistente al polvo, y por lo tanto a la arena que se suele colar por los lugares más insospechados.

Incluye la opción de realizar vídeos en HD a 1080p. Por la fisionomía de la cámara, el zoom no es óptico sino digital. Además se puede utilizar un puerto HDMI y un conector USB extraíble para descargar las fotografías rápidamente. Tiene un estabilizador de imagen interno, así como las típicas opciones de reducción de ojos rojos, detección facial, de sonrisa y de parpadeo, etc.

Lytro contará con memoria interna de 8GB o 16GB, capaz de almacenar hasta 350 o 750 imágenes respectivamente que para la ocasión vienen con la cámara

Agfa bord, Rijswijk

. Pesa 145g y estará disponible a partir de noviembre de 2011 por un precio de 119, 99 euros.

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Nikon acaba de anunciar la cámara réflex D4, destinada a los fotógrafos profesionales. Dispone de un sensor de formato completo de 16,2 millones de píxeles y es capaz de disparar hasta 10 imágenes por segundo con autofoco completo

Nikon acaba de anunciar la cámara réflex D4, destinada a los fotógrafos profesionales. Dispone de un sensor de formato completo de 16,2 millones de píxeles y es capaz de disparar hasta 10 imágenes por segundo con autofoco completo. Las características más impresionantes son, sin embargo, que funciona con muy poca luz, con el ISO a 204.800, y que graba vídeo a 1080p y 25 imágenes por segundo, con salida sin compresión por HDMI.

La D4 estará disponible el próximo mes de febrero, al precio de unos 5.800 euros. Con esta cámara, Nikon contrataca y está al mismo nivel que Canon, que el pasado octubre anunció su buque insignia EOS 1Dx. Ambas cámaras tienen características similares y en el máximo de prestaciones que puede dar una réflex profesional con sensor CMOS de 24 por 36 milímetros, el mismo tamaño que las películas de carrete. La 1Dx de Canon tiene un sensor de 18 megapíxeles y dispara hasta 14 imágenes por segundo, pero Nikon asegura que su autofoco es altamente preciso. Tanto los fotorreporteros que usan Nikon como Canon tienen ahora a su alcance un aparato que colma sus mayores exigencias.

El anuncio de Nikon se sitúa en la estela del CES, que se inaugura en Las Vegas el próximo martes. Este año se esperan bastantes novedades de fotografía en el CES, porque esta feria de electrónica de consumo ha absorbido la PMA, que tradicionalmente se celebraba en febrero y muchas marcas la esperaban para presentar sus novedades. Con la desaparición de la PMA, todos los anuncios de fotografía se concentran en Estados Unidos en el CES.

La Nikon D4 supone una evolución inteligente de la D3s, que fue anunciada en octubre de 2009. Con el ISO a 12.800, que se puede ampliar hasta 204.800, se pueden realizar espléndidas fotografías en escenas con muy poca luz o con un gran teleobjetivo con poca profundidad de campo. La D4 reúne velocidad de disparo y precisión de enfoque con una imagen de gran calidad. Esto es posible gracias al nuevo procesador y sistema de autoenfoque, que reúnen lo mejor de la dilatada experiencia y profesionalidad de Nikon.

Lo más novedoso de la D4 es la posibilidad de grabar vídeos a 1080p y 25 imágenes por segundo o a 720p y 50 imágenes por segundo, hasta un total de 20 minutos, razón por la cual Nikon la ha bautizado como una cámara réflex multimedia. Es posible volcar directamente la grabación del vídeo mediante la salida HDMI.

La cámara dispone de un visor de imagen al 100% ultraluminoso y los controles se iluminan para poder hacer fotos en penumbra. Tiene dos ranuras, una para la tarjeta CF de alta velocidad y otra para el nuevo formato xQD, basado en CF aunque mucho más rápido. La pantalla trasera es de 3,2 pulgadas, con 921.000 puntos de imagen.

Este año se prevén bastantes anuncios de cámaras fotográficas

Nikon D60 test at store iso800

, porque en el 2011 los fabricantes japoneses tuvieron que retrasar muchos proyectos o anularlos debido al tsunami de marzo y las inundaciones de Tailandia de octubre, donde muchas empresas fabrican cuerpos y objetivos

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